“Mi padre era un hombre fuerte. Era como tú. Y por eso no le dejaban en paz” (Will Sampson)
Si la desconocen, puede que les parezca exagerado lo que voy a proclamar a continuación; si la han visto en alguna ocasión tal vez les resulte un tanto desproporcionado mí comentario, pero les puedo asegurar que la conmoción que me causó esta película en el momento de su estreno, entiéndase, además, que la descubrí siendo un crío de tan solo 14 años, fue de seísmo de diez grados en la escala Richter. Debido al estremecimiento provocado como pocas veces en mi vida me ha sucedido y con más motivo siendo tan joven, una sensación de impacto que jamás me ha abandonado.
Vuelvo a ella casi cincuenta años después y la sacudida es prácticamente idéntica a la de aquella primera ocasión. Y cuando previamente la había revisado en el pasado con veinte primaveras, y con treinta… o con cualquier otra edad, he repetido idénticas sensaciones. Su placentera convulsión ha resultado permanente en el tiempo, la mejor prueba de su vigencia y su inmensa calidad para quien esto firma.
Lo que seguramente suponga unanimidad es que “Alguien voló sobre el nido del cuco”, o sea “One flew over the cuckoo´s nest”, por una vez el título original sería literalmente respetado tal cual, es un canto a la libertad, o mejor aún, una crítica a la represión, al orden establecido, a la uniformidad. El título no es baladí, es metafórico e ilustrativo. El pájaro en cuestión se dedica a poner los huevos en los nidos de otros, justo lo que hace aquí el protagonista, influyendo y subvirtiendo a los demás, en este caso, a los pacientes de una institución mental.
El individuo en cuestión es McMurphy, un tipo pendenciero, juerguista incorregible, libertino, amoral, borrachín, un “broncas” en toda regla que trata de evitar la prisión por un delito de violación haciéndose pasar por loco. Sobre el papel, de lo más despreciable, pero acaba erigiéndose en símbolo de entendible y legítima rebeldía. Está encarnado de manera arrolladora, rompedora y memorablemente histriónica Jack Nicholson, lo que le supuso el primero de los tres Oscar de su resplandeciente carrera. Los otros dos los obtendría como secundario -así se denominaban a los actores de reparto por aquel entonces- por la estupenda “La fuerza del cariño” y de nuevo como principal por la sensacional “Mejor… imposible”. Si tan solo tuviera que escoger una interpretación de su filmografía, sin duda sería esta, y miren que la misma está salpicada por trabajos y títulos que alcanzan la excelencia, desde los citados y “Chinatown” hasta “El resplandor”, pasando por “El cartero siempre llama dos veces”, “El honor de los Prizzi”, “A propósito de Schmidt”, o tantos otros hitos.
Como ya he destacado anteriormente, aquí resulta un héroe completamente atípico, propio de cierta literatura contracultural representativa de la época, o más bien de tan solo unos años anteriores. No deja de ser curioso o paradójico que este individuo detestable pero enormemente empático, se acabe erigiendo en valedor de las mejores esencias de la solidaridad y, a la vez, de la individualidad más recalcitrante.
Precisamente uno de los aspectos que más me seducen es la manera tan penetrante e intensa con la que pivota sobre él la sustancia, el cuerpo de tan extraordinario relato… y cómo está expuesto su “discurso”. El contagioso vigor que muestra, su reconstituyente sentido del humor, esa emotividad disparada como un géiser o ese tono vibrante que alcanza su culminación en un indescriptible, tremendo, colosal final, constituyeron en esta adicción por el cine que jamás me ha abandonado, todo un antes y después.
Las terapias de los internos que desprenden una fuerza dramática inusual e hipnotizan, la relación de amistad entre Nicholson y el jefe indio (un fabuloso Will Sampson) es de las que ponen literalmente los pelos de punta, salpicada por estallidos de complicidad que me arrastran irremisiblemente a mí identificación devoción e irremediable incondicionalidad con ambos.
Pero es que, encima, es divertidísima su relación y también la entablada con el resto de benditos “lunáticos”. Está garantizado el humor.
Los momentos de plenitud, de intensidad, se agolpan sin apenas conceder respiro. Ese partido de televisión prohibido e imaginariamente radiado siempre me ha generado pellizcos de emoción. Me parto con Martini “Yes”, y entiendo al jefe indio -todas sus escenas son maravillosas, la del partido de baloncesto o el final, ni digamos- en su entendible fingimiento de mudez, o me siento noqueado por el desvalimiento del hipersensible Billy, o directamente me encabrono con la jefa de enfermeras Ratched (lo hace tan sumamente bien Louise Fletcher que es inevitable odiarla sin remisión ni remordimiento alguno), representación inequívoca de la tiranía en cualquiera de sus manifestaciones.
Basada en una popular novela, tanto como la propia película, de Ken Kesey, éste había vivido experiencias parecidas en los turnos de noche trabajados en un psiquiátrico durante una etapa de su vida. Por cierto, el rodaje tuvo lugar en el Hospital del Estado de Oregón, en la ciudad de Salem. Algunos de los pacientes figuran como extras. El propio Nicholson estuvo dos semanas prácticamente viviendo allí para impregnarse de las máximas experiencias y detalles posibles para cincelar a su carismático, emblemático personaje.
No quisiera tampoco olvidarme de la producción a cargo de un joven -29 años- Michael Douglas, que había comprado los derechos tras haberla representado en las tablas su propio padre, Kirk, el cual finalmente rechazó protagonizarla, tal vez debido a la edad (de esto hace más de medio siglo… y llegó a los 103 años, fallecería en los previos de la pandemia). Ni tampoco de esa pandilla de impresionantes característicos, entre los que pueden reconocer a Danny De Vito (el mencionado Martini), el loco científico de “Regreso al futuro” Christopher Lloyd (el alucinado Max Taber), el fantasma del metro en “Ghost” Vincent Schiavelli (Fredrikson) o un vulnerable Brad Dourif (Billy Bibbit) a cuyo cargo se produce una trágica escena.
Atención a otro factor muy importante, a la banda sonora, verdaderamente extraordinaria, de Jack Nietzche… turbadora, “theraminica”, vitamínica, imponente.
Supuso el segundo trabajo en Hollywood del excelente y exilado director checo Milos Forman, cuatro años después de haber debutado con “Taking off (Juventud sin esperanza). Constituyó el primer Oscar de su carrera. Nueve años después conseguiría el segundo por otro trabajo de postín, “Amadeus”.
Destacar a título anecdótico que junto a “Sucedió una noche” y “El silencio de los corderos”, es una de las tres únicas producciones de la historia en conseguir las 5 estatuillas doradas más importantes: película, director, actor principal, actriz principal y guion adaptado.
Sin duda la locura en diversos estados y manifestaciones y asociada a instituciones mentales, adquiere aquí su máxima expresión cinematográfica, pues ninguna otra propuesta la ha retratado mejor ni la ha planteado en vertientes tan diversas. Junto a “Corredor sin retorno”, “Lilith” y “Nido de víboras”, forma el cuarteto de oro en torno a este tipo de cuestiones, encabezándolas a todas ellas… o a idéntica altura, pues porqué tener que elegir sólo una con cuatro muestras tan excelsas.
